-Antecedentes inmediatos The Beatles (piano con cinta ralentada, mellotron y pianos Hohner y Rhodes), Beach Boys (Pet Sounds) -Pink Floyd: de la psicodelia a la elegancia. Farfisa, Hammond y VCS3 -Interludio: arreglos de cuerdas hechos con teclados. Supertramp (Take The Long Way Home y Logical Song) -Yes: del Hammond rockero, al minimoog virtuoso, el Rhodes fusión y más allá Hammond, mellotron, minimoog, piano RMI, Rhodes y Birotron -Interludio II: Rush (Tears) -Genesis: orquestando con Tony Banks, reivindicando la era Collins. Hammond, Pianeta Hohner, mellotron, ARP Prosoloist, parlante Leslie, Space Echo, Piano RMI, Yamaha CP70 y CS80, Prophet 10 y Yamaha DX7. -Aparición del sintetizador digital con presets y conclusión Yamaha DX7, Korg Wavestation, el sampler y el regreso de los analógicos.

El objetivo de estos proyectos es realizar una obra performática colaborativa multidisciplinaria interconectando artistas o colectivos artísticos en diferentes locaciones geográficas que confluyen en un mismo escenario virtual cosmopolita. La producción y definición estética partirán de una propuesta que se retroalimentará a partir del cruce de las diferentes disciplinas y lenguajes artístico/estéticos que se sumen, fortaleciendo y ampliando sus horizontes a través de la tecnología.Se parte de la hipótesis de que el trabajo multidisciplinario y colaborativo produce una sinergia que resulta difícil de alcanzar en propuestas donde se proyectan compartimentos creativos estancos. Las diferentes áreas que alimentan una obra artística colaborativa se ven enriquecidas a partir de compartir ideas, expectativas y desarrollos entre sí. En ese contexto, el respeto por la palabra del otro se transforma en un factor fundamental de crecimiento artístico. Afrontar la experiencia de intentar entender el lugar y la influencia de otras áreas dentro de una propuesta artística proporciona una experiencia superlativa. Esta experiencia se ve enriquecida más aún cuando ese intento se proyecta hacia artistas y estéticas foráneas. Así, en esta propuesta, la tecnología informática se transforma en un factor fundamental para el acercamiento de diferentes grupos de artísticas, borrando las barreras geográficas.

Actualmente es normal que músicos diferentes utilicen las mismas herramientas para componer o realizar presentaciones en vivo. Lo cual inevitablemente trae aparejado que los resultados obtenidos compartan las mismas limitaciones estéticas.Por otro lado, las disciplinas asociadas al BigData, Analytics y Machine Learning están siendo fuertemente utilizadas en todos los ámbitos, dejando como consecuencia indirecta una mayor facilidad de acceso a los recursos informáticos que las posibilitan. La creciente cantidad de información disponible en las redes públicas y algunos softwares ya existentes para la síntesis y procesamiento (aunque habitualmente reservados para un grupo de usuarios expertos) dan lugar a la aparición de nuevos enfoques en cuanto a técnicas de ejecución y composición musical. La posibilidades existentes de interconexión, casi inherentemente alientan el desarrollo de procesos colaborativos por sobre los individuales. Este trabajo muestra diferentes enfoques y caminos posibles para el aprovechamiento de estas tecnologías y propone un flujo de trabajo (arquitectura) basado en un sistema distribuido con componentes intercambiables que incluyen (Music Information Retrieval), bases de datos muy grandes de audio online (audio/music collections), interfaces de usuario dinámicas, controladores físicos y digitales (tablets/celulares) y síntesis en tiempo real. Implementado en y con herramientas Software Libre y protocolos de comunicación estándares. La arquitectura permite que múltiples clientes exploten la API de forma concurrente, permitiendo el trabajo colaborativo. El resultado es un sistema que puede obtener samples de la web con características bien definidas y al mismo tiempo (opcional) de forma pseudo-aleatoria, mezclarlos y transformarlos en tiempo real durante una performance de live-coding. Lo cual puede ser usado como un instrumento experimental en una banda, o ser combinado con feedback visual en vivo o de forma automatizada e independiente, por ejemplo como parte de una instalación multimedia.

Este trabajo versará sobre el lugar del cuerpo en el arte -presentativo y re-presentativo-, de mediados del siglo XX y comienzos del XXI, en su relación de exclusión-inclusión con las tecnologías digitales. Tratará sobre la mirada. Se hará eje sobre el arte performativo, donde el cuerpo es escenario y obra. El cuerpo en acción que en las diferentes performances interpela a los espectadores habilita la pregunta por los límites de la representación. Esto nos lleva a interrogarnos por los dispositivos tecnológicos en los que la imagen predomina y a repensar la corporeidad virtual y real y sus efectos en relación al arte y al vínculo social. La desaparición forzosa del cuerpo, el cuerpo del dolor en las torturas sistemáticas de las dictaduras Latinoamericanas. Los ideales de cuerpos de la década del noventa, los cuerpos anoréxicos, los cuerpos mediados por la imagen. Diferentes miradas sobre los cuerpos en la época de la biopolítica y del higienismo a ultranza. Miradas que forman, conforman y deforman cuerpos. El psicoanálisis comenzó a principios del siglo XX escuchando el cuerpo de las histéricas, hoy el corpus psicoanalítico es la herramienta teórica a la que recurrimos para escuchar y pensar los cuerpos angélicos de la posmodernidad y así poder ubicar “las paradojas de goce” que están en juego en la mirada de los diferentes protagonistas de nuestro “malestar en la cultura” Las preguntas que nos guían son ¿cuáles son los límites de la representación? , ¿Qué, cómo y desde dónde nos miran los desparecidos? ¿Cómo el arte ha construido y reconstruido su presencia corpórea?

La propuesta es introducir mi proyecto de tesis de maestría en artes electrónicas y situar el campo de pertinencia de mi obra Código*Voz-ignis. La obra construye una tecnopoética de la llama para observar cómo ésta operación dinamiza tensiones estéticas y conceptuales en el paradigma tecnológico. Ciertos paradigmas frecuentados por el arte electrónico tienden a cristalizar la búsqueda de una elocuencia interna de la expresión artística supeditada a la lógica de la programación, lo que ha recortado y condicionado la experiencia. La estrategia metodológica consiste en retomar el concepto de arque-máquina, basado en la teoría de la cosmogénesis, como un sistema dinámico que permite reconocer relaciones genealógicas entre seres humanos y máquinas artificiales. La obra Código*Voz-ignis, a partir de la transformación del calor de una vela en electricidad, propone un descentramiento del eje computacional. Expresa el fluir energético de un sistema complejo a través de cantos polifónicos, mantras y loops, donde la tecnología digital es una más de las rutas energéticas en transformación, mientras que otros flujos, no menos importantes, se manifiestan a través del calor irradiante, la luz eléctrica o la respiración. La complejidad y la termodinámica desde la filosofía natural pueden habilitar nuevas formas de transitar/hacer/pensar el arte electrónico ante un desafío propio del performance digital: la dimensión afectiva del agenciamiento humano. "

Se trata artículo escrito junto con Beatriz Marcos, Minerva Hernández en el Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes de México. En el artículo exponemos los proyectos curatoriales de artes performáticas, ciencia y tecnología que han permitido tejer una red multidisciplinaria de científicos, biotecnólogos, filósofos y artistas que trabajan en conjunto. La propuesta para la charla es dar a conocer y poner a disposición la metodología transdisciplinaria “Cartografías: teoría, creación y experiencia”, que consiste en una serie de mapas conceptuales que transitan los ejes: prótesis, gesto y metáfora para poner en relación las afinidades, hallazgos y problemáticas expresadas por diferentes artistas en el 1er. Encuentro de Artes Performáticas y Tecnología “Liveness” (2012). Participaron artistas como Kònic Thtr. (teatro virtual / ES), Daito Manabe (body-hacking / JA), Ivaní Santana (danza telemática / BR), Ricardo Cortés (composición algorítmica / MX), Mark Coniglio (software / EU), Marco Donnarumma (biointerfaces / IT), entre otros. Se trazan vectores como por ejemplo, la im-posibilidad de mecanizar el gesto (Daito y Coniglio) o la postura biopolítica y crítica que implica la relación cuerpo-tecnología (Donnarumma). De manera experimental, estos mapas proponen visualizar cómo la experiencia artística es productora de conocimiento. La plataforma se potencializa al ser puesta en relación con otros contextos y modos de hacer, dando como resultado una metodología abierta a la reformulación de docentes, alumnos e investigadores. Ahí radica también el interés de convocar a la comunidad de la Universidad de Quilmes, puntero en Argentina. Recién se publicó este artículo en el libro “Encuentros. Arte y Nuevos Medios en las prácticas artísticas contemporáneas” de la Universidad Autónoma Metropolitana en México. Espero que sea pueda ser de su interés.

El presente estudio trata sobre el sentido de presencia que se sitúa en la instancia relacional entre el cuerpo propio (orgánico), el dispositivo (inorgánico) y el operador (medio). La exploración en esta triada origina la idea de un nuevo cuerpo funcional, no solo para el arte de la performance, sino también para la performance cultural de la experiencia cotidiana. ¿Las instancias relacionales que se originan entre estos elementos, forman otro tipo de corporeidad, y si esto es así… la imagen que se obtiene se transforma en información articulada para una acción tecnológicamente territorial? El estado inter-medio que suscita en la performance tecno-cultural, por un lado lo inscribo a través la lectura de H. Farocki, M. Ponty, R. Schechner y M.T. Herner y por otro, mediante los modos del registro artístico de producción propia como el del mundo urbano registrado. En este sentido las cámaras, los mapas virtuales y las aplicaciones en línea ya no solo forman parte de nuestras acciones cotidianas, sino que son una extensión más de nuestro cuerpo en tanto, acción-operación. Por ello quiero acercar que la clave originaria de la presente obra, segmentada en una video instalación, una performance y un artículo, ha sido la utilización del dispositivo (cámara de registro visual) en sus diferentes funciones, ya sea desde el uso en el arte de la performance, en el espacio urbano ordinario como en las tecnologías militares; pero exclusivamente en vinculación con el cuerpo tecnológico en tanto presente-ausente, real-virtual, próximo-lejano, publico/privado, espacio en el cual el operador (cuerpo ausente) nos inscribe en un nuevo territorio, en un novedoso estado performático donde el período perceptivo del Mundo está cambiando su eje hacia otro cuerpo de la realidad.

Este proyecto consiste en el diseño y desarrollo de un instrumento musical digital; un guante que cumpla la función de interfaz para facilitar la creación de música electrónica o el procesamiento de audio digital en tiempo real, utilizando como controlador de los parámetros los gestos con las manos que realice el intérprete. Basado en recursos Open Source (de código Abierto) y la filosofía Do It Yourself, se buscó fabricar por cuenta propia todo lo que se pueda para su desarrollo, utilizando así sensores de torsión de fabricación casera para capturar los datos de los movimientos de los dedos. Estos sensores están hechos con un material cuyas cualidades dieléctricas permiten un cambio en su conductividad que depende de la presión que se le ejerza. Los datos sensados son convertidos en señales eléctricas interpretables por una placa microcontroladora Arduino y, luego, enviadas mediante comunicación serie al entorno de programación Pure Data. De ésta manera se puede cuantificar y mapear los registros gestuales y utilizar los valores adquiridos para controlar distintos parámetros en el procesamiento o generación de audio digital.

Constituyentes del lenguaje visual y su dinamismo en el loop de video digital. A través de Resolume hacia la articulación entre el gesto performático, los controladores MIDI y el resultado formal.

Programa preparado por la Fundación Destellos. Selección de obras premiadas en el Concurso Destellos y de miembros de la Fundación

Proyecto PMOS Passio Musicae Open Source PMOS, es un proyecto de largo plazo que se desarrolló entre 2012 y 2015 en cooperación con 3 Universidades de Finlandia en el marco de los programas de grado, postgrado y doctorado. (Aalto University media-lab, Sibelius academy y Kuva University of fine arts Finland) La idea consistió en analizar la escultura monumental Passio Musicae con su reminiscencia de un órgano extraordinario. Esto dio lugar a la sonificación del mismo monumento de Jean Sibelius creado por la escultora Eila Hiltunen entre los años 1961/67. El plan del formato con su objeto de estudio fue desde el principio bien pensado como una investigación que ofreció una amplia gama interdisciplinaria de composición espacial y del entorno. La propuesta tuvo gran interés de escultores, músicos, compositores y artistas de las nuevas medias como ser: artes digitales y electrónicas. El proyecto incluyo investigación, medición, diseño de sonido - coding y la obra final. La Instalación participativa invito a la negociación de distintos niveles de complejidad y géneros. Quiere decir, que el resultado de la obra abordó el tema musical, performance y la meta de interpretación. El visitante puede activar por sí movimiento en el espacio los tonos y el sonido que coinciden con las dimensiones de la obra original Passio Musicae, y así ser protagonista e integrarse como parte de la obra. La ejecución técnica de la instalación probablemente no habría sido posible hace unos años atrás. Esto motivo la propuesta de construir un puente de tiempo entre una obra escultórica histórica y la última tecnología digital. La detección de movimiento - el seguimiento de movimiento - motion tracking - fue la herramienta que hizo posible desarrollar y modificar el monumento como una instalación transitable y bailable con el carácter de un gran instrumento.

"El proyecto comprende el diseño y desarrollo de un dispositivo electrónico musical de viento, de tipo controlador MIDI e inalámbrico. Uno de sus objetivos es el de presentar una curva de aprendizaje que permita producir música a cualquier individuo independientemente de sus conocimientos o pericia físico-técnica. Se buscará que, dada la respuesta expresiva, variedad sonora e independencia del uso de cables, posibilite su integración en ensambles de música de todo tipo, sin que su naturaleza electrónica lo condicione a una sonoridad o ámbito específicos. El desarrollo está basado en un microcontrolador Arduino y la alimentación eléctrica es provista por baterías con un sistema de recarga interno. Se ha escogido el protocolo MIDI para comunicarse con dispositivos sintetizadores de audio diversos, ampliando su versatilidad en cuanto a posibilidades tímbricas y artísticas del instrumento. Mediante el uso de módulos Xbee y la confección de un receptor independiente se ha logrado una comunicación inalámbrica robusta y de baja latencia de datos seriales MIDI. Se realizaron también diversos estudios previos como un análisis de aerófonos existentes (acústicos y electrónicos) en colaboración con instrumentistas, a fin de determinar la mayor ergonomía y comodidad para el intérprete. También se ha diseñado un sistema de digitación basado en electrodos táctiles para producir las diferentes notas musicales de una escala mayor de base y sus alteraciones cromáticas. Especial rigurosidad se ha puesto en el diseño del sensor de velocidad/presión de aire, la embocadura y la respuesta devuelta al usuario por ésta, requisito fundamental para acortar la distancia perceptual existente en el intérprete entre la acción realizada y el resultado sonoro obtenido. Atento a ello se ha diseñado y confeccionado una boquilla en impresión 3D, la cual incluye además un sensor de presión mandibular para añadir una capa de sensibilidad expresiva."

El trabajo tiene como propósito referirse a la ópera "La ciudad ausente" con texto de Ricardo Piglia, música de Gerardo Gandini y dirección de David Amitín en el Teatro Colón estrenada el 24 de octubre de 1995 y cómo se trabajaron esos textos literarios y musicales en el Centro Experimental del Teatro Colón en el 2016 por el director polaco Michal Znaniecki. En una primera aproximación al texto literario de Piglia y a las constantes estilísticas de Gandini se advierte que hay marcados puntos de contacto: en ambos casos la incursión en la intertextualidad como puede advertirse en el libreto y la música de "La ciudad ausente". Gandini confesó que la primera vez que leyó "Respiración Artificial" de Piglia descubrió a un escritor que escribía como él componía. Es decir, el proceso del pensamiento creador , en uno y otro era similar. En el caso de Gandini, ese procedimiento de connotaciones semiológicas se extiende a toda su producción sea vocal o instrumental. El procedimiento de deconstrucción le permitía a Gandini escapar de los clichés en la que había caído la música de la vanguardia serial y poner en claro su criterio sobre el concepto, a su juicio erróneo, de un progreso indefinido en la búsqueda y adopción de materiales musicales. Lo nuevo no reside en los materiales sino en la sintaxis, en como los materiales se combinan entre sí. Manejándose Piglia y Gandini dentro de planteos vinculados con la intertextualidad y buscando ahondar en las posibilidades de un metalenguaje que describiera sus propias concepciones literario-musicales, era natural este encuentro que dio forma artística a la ópera a la que nos referimos. Así surgió la idea de convertir a la máquina, que en la novela cuenta historias, en una máquina de "cantar historias".

Desde mediados del S. XX, el avance de la tecnología ha tenido un gran impacto en la práctica musical, contribuyendo a la creación de géneros y técnicas de ejecución innovadoras, así como al surgimiento de nuevos modelos y concepciones de enseñanza. En el ámbito de la música vocal, en particular, el uso de diversos dispositivos como micrófonos, procesadores de voz y programas de entrenamiento vocal asistido por computadora, entre otros, ha impactado sobre la manera, el ámbito y los soportes en los que se desenvuelve la clase de canto. Por ejemplo, los medios digitales (como las plataformas virtuales y redes sociales) han contribuido al acceso libre y gratuito a lecciones sobre Técnica Vocal a distancia, reformulando las bases de un modelo pedagógico que, desde sus orígenes, ha propugnado la presencia física del docente como guía en el proceso de configuración de un nuevo esquema corporal-vocal, dada la condición de “invisibilidad” del instrumento (Hemsy de Gainza, 2002). Así, las nuevas modalidades digitales de enseñanza resignifican la interacción docente/alumno, y ofrecen alternativas a las herramientas didácticas tradicionales. Partiendo de estas consideraciones, nos proponemos indagar de qué manera las nuevas tecnologías impactan en la pedagogía vocal local, a través de encuestas realizadas a docentes y estudiantes de canto de distintas instituciones de la ciudad de La Plata.

Se presentarán detalles del proyecto "Imaginarias" (realizado en conjunto con el dúo MEI-Música para flautas), un concierto audiovisual integrado por obras para dúos de flautas de compositores lationamericanos e improvisaciones de los intérpretes. La música explora el amplio rango tímbrico y sonoro que ofrece la flauta proponiendo nuevas formas de organización del discurso musical. Las imágenes que se proyectan en escena son renderizadas en tiempo real. Cada obra emplea un entorno gráfico digital especialmente desarrollado para reaccionar en vivo y modificar los diseños digitales generativos en función de la interpretación de las flautistas. No se utiliza ningún tipo de video o archivo de imagen pre-grabado. El software utilizado fue desarrollado específicamente para este proyecto a partir de librerías de programación open-source. El sistema posee un motor de análisis de audio digital en tiempo real que procesa la señal de micrófonos en escena. En función del análisis, las aplicaciones gráficas renderizan la proyección. Link a la página del proyecto: http://www.leozimmerman.com.ar/imaginarias/

El contenido de la propuesta consiste en reflexionar sobre los límites entre la producción artística y el conocimiento científico y su entrecruzamiento con la tecnología a partir de la revisión del concepto, armado y montaje de la obra Iridiscente. Dicha obra se trata de una escultura sonora interactiva cuya idea consiste en representar la relación entre la propagación de la luz y el sonido como dos fenómenos físicos análogos. La misma se basa en el fenómeno de iridiscencia acústica propuesto por el físico Trevor Cox en 2011 (*), el cual (trazando un paralelismo con el fenómeno óptico de iridiscencia) hace referencia a los cambios producidos en el espectro del sonido según varía el ángulo de reflexión en una distribución periódica de placas perforadas. La interacción entre la luz y el sonido está mediada en la obra por la intervención del cuerpo del espectador, quien traza el entrecruzamiento de la obra con la tecnología involucrada en la misma y la pone en escena. Iridiscente consta de dos discos perforados que rotan a intervalos de tiempo irregulares movidos por motores de paso. Una luz LED ilumina los discos y proyecta la sombra de los mismos en una superficie plana. Una cámara capta las variaciones de la luz cuyas señales son utilizadas para procesar en tiempo real la frecuencia y amplitud de 20 osciladores. El espectador puede interactuar con la escultura, modificando la cantidad de luz que capta la cámara a la vez que interactúa con el sonido. Iridiscente se enmarca en el proyecto de tesis de doctorado titulado “Esculturas sonoras aplicadas al diseño de salas de concierto”, cuyo tema se centra en la construcción de esculturas sonoras que produzcan algún tipo de modificación del sonido por medios principalmente acústicos. La escultura fue concebida como objeto artístico y a la vez como prototipo de ensayos acústicos. (*) Cox, T. J. (2011). Acoustic iridescence. The Journal of the Acoustical Society of America, 129(3), 1165-1172.

El presente artículo se enmarca dentro de la investigación del Proyecto de Investigación y Desarrollo titulado Prácticas Performáticas Multimediales, Redes Telemáticas y Educación, Código: B315, Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata. Se trabajará la temática del cuerpo a través del vínculo con la performance y las tecnologías digitales planteando la necesidad de que conste un corpus de conocimientos que al presente están fuera del currículo académico y de enseñanza, y que podrían eventualmente ser incluidas a sus programas. El punto de partida de este planteo surge a partir de observar cómo la corporalidad presente en las artes contemporáneas va tomando forma dentro de acontecimientos híbridos físicos y virtuales, estas formas se pueden denominar performances tecnológicas, interactivas, multimediales o bien performances algorítmicas. Estas producciones y estos otros cuerpos instalan la certeza de una transformación profunda de las categorías de espacio y de tiempo, por ende, de la percepción y del conocimiento de lo sensible.

El propósito de este laboratorio es ensayar una perspectiva dramatúrgica proyectable de manera productiva hacia las prácticas artísticas contemporáneas, las artes electrónicas y los entornos digitales en la música. Buscaremos hacer disponibles y tangibles herramientas conceptuales de la dramaturgia mediante la toma de contacto y el despliegue lúdico y exploratorio de la tecnología implicada en ella: la relación afectiva escena-espectador (E/E), su dispositivo de base. Apropiando la idea de dispositivo como un posible terreno común entre diferentes prácticas artísticas actuales, caracterizadas por el cruce disciplinario y el uso de tecnología, indagaremos de forma práctica dos de sus aspectos nodales para la creación de poéticas performáticas: Corpus, la virtualidad de un cuerpo singular y plural; revelación, composición y desintegración de su aspecto material; calidades perceptivas; receptor de fuerzas y productor de las mismas; el cuerpo del sonido; cuerpo polifónico. Cartografía, la dimensión de planificación, el mapa subjetivo, plan de consistencia, la composición, el plan de acción; la precariedad como potencial expresivo; su puesta en abismo; espejos digitales.

En el taller se trabajará sobre las experiencias sobre dispositivos hackeados.

La propuesta es un concierto donde el foco este en la reflexión sobre los diferentes niveles enunciativos o capas autorales. En un primer caso, el compositor trabaja en primera persona una obra abstracta. No existe rol de narrador, o autor y narrador se encuentran en el mismo sujeto. En el segundo, el autor se distancia del discurso y este es delegado a un narrador externo. Como un readymade, la obra no fue ""fabricada"" directamente por el autor, sino que este se ha apropiado de un fragmento de la realidad, generando la condiciones mínimas de audibilidad. Y en el tercero, cerrando el ciclo, el autor reflexiona sobre el concepto de readymade (y el arte conceptual en general) y se distancia doblemente del discurso, proponiéndolo como tema, no como categoría. Ademas, cada pieza trata problemáticas internas a su nivel autoral. Podríamos referirnos a Greenberg y su teoría ""formalista"" en la primer propuesta, en la cual la reflexión sobre la posibilidades del medio regulan el discurso. Kosuth y la desmaterialización del arte en el segundo, donde en nuestro caso particular la musicología deviene en material musical como readymade. Y por ultimo el planteo de arte post-conceptual introducido por Osborne, basado en la indispensable pero radicalmente insuficiente dimensión estética de la obra, donde encuentra al arte contemporáneo como una reflexión sobre la compleja experiencia histórica y el legado critico del arte conceptual.

La presente obra fue compuesta en el marco del programa de investigación “Sistemas temporales y síntesis espacial en el arte sonoro”, específicamente dentro del proyecto “Síntesis espacial de sonido”, cuyo director es el Dr. Pablo Di Liscia, para ser estrenada en “La Semana del sonido” (Rosario 2016). Dicha obra electroacústica para sonido envolvente en cuadrafonía está creada empleando timbres procesados de violoncello, percusión, flauta y piano. Plantea el juego artístico con los esquemas auditivos propuestos por Gary Kendall (2010), a través de la disrupción de la relación ""contenedor-contenido"" y el dominio de la perturbación. A partir de relaciones de incongruencia y congruencia entre fuentes conceptuales e imágenes fuentes, se organiza la obra en tres secciones. Para la composición de la obra se parte de la granulación, técnica de procesamiento que se emplea a partir del entorno ""Pure Data"" (Miller Puckette) y genera a partir de una fuente conceptual (FC), varias imágenes fuente (IF), percibiéndose una ""situación de incongruencia"". A partir de la resíntesis realizada con el ""software Spear"" y la distribución de las bandas de frecuencia del timbre creado se perciben en el espacio una ""singular/múltiple"", ""fuente/ esamble"" localizadas en el espacio. La localización espacial es trabajada a partir del ""software Logic Pro"" y favorece la percepción de una FC y varias IF o varias IF y una FC, y las situaciones ambiguas que se puedan generar a partir de una imagen fuente con un ""ancho espacial incrementado"". Así también se le otorgan atributos inmersivos a las señales a través de la reverberación multicanal. La relación de ""contenido sin contenedor"" se establece, a partir de la localización espacial de la resonancia del violoncello o instrumento de percusión (contenido) en una ubicación opuesta a la ""señal-fuente"" (contenedor). La teori?a implicativa especificada por Ste?phane Roy y aplicada al tratamiento espacial de la mu?sica electroacu?stica, es desarrollada en la obra a trave?s de los movimientos perturbadores que originan disrupcio?n. Esta incongruencia que se establece, entre la imagen espacial de la fuente con la ubicacio?n de dicha fuente, genera implicacio?n en la espacialidad. En la sección final de la obra se establece la relación entre ""situaciones de congruencia"" y ""situaciones de incongruencia"", al plantear la expectación de congruencia a partir de la ""situación de incongruencia"" con la que comienza la obra.

América analógica es un dúo que utiliza dispositivos, en su mayoría, analógicos. La propuesta sonora se relaciona con la música drone, ambient, etc.

Pablo Bachmann, Composición de Electroacústica en Cuadrafonía; Omar Farías, Batería.

A partir de estudios de casos, se plantea la reflexión sobre la función o rol que ocupan determinados aspectos técnicos dentro de la puesta escénica y como estos se configuran en el discurso escénico. La construcción de la obra implica un conjunto de reglas que se establecen a partir de los elementos que interactúan en ella y requiere de un posicionamiento en cuanto a los significantes que generan. La puesta en escena entendida como dramaturgia en movimiento. Para esta exposición en particular se pretenden establecer algunos criterios compositivos musicales y sonoros utilizando recursos tecnológicos. Se buscará explicar la construcción sonoro musical para el teatro, la instalación teatral y la performance a partir del trabajo realizado junto con Emilio García Wehbi, director teatral, régisseur, performer, actor y artista visual. Los estudios de caso serán sobre: “Manifiesto de Niños” del Periférico de Objetos, “Prefiero que me quite el sueño Goya a que lo haga cualquier hijo de puta”, “Vértigo” y “Herodes Reloaded” de García Wehbi. El camino de esta exposición es avanzar en base a la experiencia y práctica concreta en la comprensión de lo que significa aplicar tecnología para producir sonido y música en el teatro y la performance.

Memorias Migrantes, de Paula Coton, Fabián Sguiglia y Fernando Toth, es una serie de instalaciones audiovisuales interactivas que articulan grabaciones de campo sonoras y visuales con interfaces táctiles construidas en base a objetos encontrados. Cada iteración de la serie trabaja un objeto distinto, identificado e intervenido desde un enfoque biográfico, a través del cual se abordan las materialidades desde su historia social y cultural, y se contemplan las trayectorias de los elementos que la componen. Los materiales audiovisuales de la obra, por su parte, son desarrollados a partir de registros realizados en los espacios de donde se extraen dichos objetos. A través de un sistema de sensores, éstos son transformados en superficies táctiles. Este sistema de sensores, basado en la cámara de profundidad kinect y desarrollado específicamente para la obra, permite tanto asociar estímulos visuales y sonoros con zonas o huellas significativas del objeto como detectar gestos dinámicos. La primera obra de esta serie fue expuesta entre el 21 y el 26 de agosto de 2016 en el Museo Gregorio Álvarez, en la ciudad de Neuquén. Utilizó como superficie táctil una mesa de carpintero y, como materiales audiovisuales, diferentes registros realizados en los en el taller de donde se obtuvo esta mesa y sus alrededores. El objetivo de la presente ponencia es presentar el sistema de sensores utilizado para esta obra, y brindar detalles sobre su diseño y construcción.

La ponencia se focalizará en dos casos de estudio. Se trata de dos obras realizadas por artistas de la Ciudad de Buenos Aires en la primera década de 2000 que se basan en la programación de software que genera música: “Oveja eléctrica” (2003-2008), de Santiago Peresón, y “Kimi” (desde 2009) de Luciano Azzigotti. “Kimi” es un programa que crea partituras generativas para ser leídas por una variedad de ensambles instrumentales. “Oveja eléctrica” aplica técnicas de Inteligencia Artificial para entrenar una máquina que compone. A partir del análisis de las presentaciones de estas obras, se identifica que los productos derivados de los programas desarrollados por los artistas se insertan en espacios de circulación y en modalidades diferenciadas: conciertos (virtuales y presenciales), publicaciones a través de sellos discográficos, páginas web interactivas, esculturas sonoras, etcétera. Se observa que ambas obras escapan al destino de presentarse en formato de concierto tradicional y subvierten la tríada compositor - partitura - intérprete. La ponencia se basa en el Trabajo Final de Grado de la Licenciatura en Gestión del Arte y la Cultural (UNTREF), titulado “Formatos digitales, música y memoria. Experimentación sonora en la Ciudad de Buenos Aires” (2016). El mismo se centra en la experimentación sonora con tecnologías digitales, y busca analizar su relación con la memoria a través de la introducción de la categoría de dispositivo mnésico como herramienta de análisis.

Durante el periodo de formación en el Máster en Humanidades: arte, literatura y cultura contemporánea de la Universitat Oberta de Cataluya; estuve investigando en torno a la creación de una obra dramática que combinara elementos de la cultura digital. El resultado fue “E-cclesía”, una partitura escénica que realiza una hibridación entre elementos hipertextuales y multimedia. En relación a esta pieza, desarrollé mi investigación de tesis de máster. Posteriormente, llevé acabo una residencia de creación en el Centro Párraga (Murcia), espacio de investigación y desarrollo de arte contemporáneo, poniendo en marcha la versión beta 1.0. Actualmente estoy realizando una estancia de investigación en la UNLP, Facultad de Bellas Artes, dentro del proyecto de investigación “Prácticas Performáticas y Multimediales Redes Telemáticas y Educación” donde planteo desarrollar la versión 2.0. Bajo este contexto es el que se encuentra esta investigación y la ponencia para estas jornadas pretende -bajo un formato de artículo científico- compartir esta experiencia, abriendo el proceso a otros (as) para que el intercambio mutuo nos pueda enriquecer.

Apuntes metodológicos del rol de la dramaturgia en las prácticas artísticas contemporáneas y entornos tecnológicos. Hay evidencia suficiente para señalizar el rol del dramaturgo o del dramaturgista en proyectos integradores de lenguajes artísticos distantes -cuando no directamente reactivos- respecto del hecho teatral y de la matriz de representación que presupone. Surge por peso propio un interrogante sobre la inquietud de dramaturgia implícita allí. Sin embargo, en el lugar de la respuesta aparece ahí un recurso y una condición de base para gatillar una práctica que se nutre de la recursividad del ensayo y el error como componente metodológico fundante, quizá su pathos específico. ¿Implica todo empleo actual de tecnología un horizonte post-humano respecto del cual la dramaturgia es llamada a contrapesar desde una especificidad humanista? Procurando desanudar dialécticas simplificadoras, ¿acaso no es también la tecnología territorio privilegiado de fantasías -diáfanas y densas-, obsesiones y utopías? En un campo de fuerzas que se activa, se perfila la emergencia de un cuerpo afectivo, singular, no necesariamente antropomórfico, no necesariamente portador de un yo distinto de un tú. Algunas incursiones en el campo, en experiencias artísticas de cruce disciplinario con uso de tecnología, habilitan un intento de bocetar cartografías de una práctica afectiva, colectivo-subjetiva, cruel y sensible al contexto.

Cada era artística tiene íconos que la representan y a esta altura podemos afirmar que el uso de sensores interactivos en escena ocupan un importante lugar tanto en la creación así como en la interpretación de una obra que puede incluir música, danza, teatro, performance, video e iluminación. Esto es así pues todas estas disciplinas puedne ser expandidas hacia nuevos terrenos gracias a estas tecnologías. A diferencia de una creencia algo arraigada ne el imaginario de muchos artistas, no es inalcanzable este mundo, ni desde lo práctico ni desde lo económico. Expondremos diferentes posibilidades de utilización de sensores e instrumentos en escena creados a partir de periféricos simples de computadoras, los cuales ofrecen muchísimas posibilidades técnicas y expresivas. Apoyaremos la exposición con ejemplos de obras de diversas disciplinas tanto del expositor así como de otros autores. Joysticks, teléfonos inteligentes, cámaras web, teclados, mouse, interfaces simples de iluminación y demás dispositivos son los que nos servirán para mostrar que este mundo es mucho más accesible de lo que se suele creer. En el tramo final, se invitará a las personas del público que así lo deseen, a probar los dispositivos y a crear una pequeña improvisación con el expositor. Software utilizado: Max MSP, Max For Live Página del expositor en la cual se puede descargar libremente el software expuesto: www.fabiankesler.blogspot.com

Microrrelatos de la memoria afectiva. Acción textil en clave audiovisual articula la estructura del género literario del microrrelato en una serie de obras de mi autoría, en donde lo textil es materia originante de las producciones pero muda su soporte matérico nativo a otro que me permite hablar de lo textil pero a partir de dispositivos audiovisuales. La investigación aborda la construcción de memoria afectiva que se establecen entre las personas, los objetos textiles y sus relatos. De tal modo se investiga la hibridación de medios a partir de dispositivos audiovisuales que permiten poner en juego la construcción de microrrelatos audiovisuales atendiendo a su dimensión temporal en pos de proponer un nuevo horizonte simbólico. Se desarrolla una serie de acciones mínimas de carácter performático que buscan restablecer el vínculo entre el relato textil y el gesto de las acciones textiles. A partir de la realización de breves acciones que, con diferentes artilugios de animación, articulan la tradición de los objetos precinematográficos con recursos técnicos y tecnológicos contemporáneos. De tal modo, desarrollo objetos que reproducen animaciones en donde el gesto performático sobre lo textil se crea mancomunadamente con las posibilidades reproductivas del dispositivo de animación. En donde lo breve es acción que se reactualiza en loop. Es así que en MicroAcción I y II armo dispositivos en donde por medio de un reducido número de imágenes fijas obtengo animaciones de unos pocos segundos. Por último, pensar en la construcción de los relatos sobre el concepto de lo micro me introdujo en el campo literario dando pie a la reflexión sobre el tiempo del relato, el tiempo de la acción y el tiempo de la memoria en torno a lo textil.

El proceso artístico contemporáneo tiene entre sus soportes significativos la actividad performática. La misma es un indicador concreto de las transformaciones, que implican entender el arte contemporáneo, como un proceso diferente al proceso artístico clásico o moderno. A la frase de Bourdieu, referida a que “[...] toda operación artística implica una operación consciente o inconsciente de desciframiento…” (Bourdieu, 2002, p. 61), teniendo en cuenta, fundamentalmente el carácter contemplativo hacia el “objeto” artístico por parte del “espectador”, cabe contraponer una que diga, que toda operación performática implica una operación consciente o inconsciente de evidencia de verdad. No hay operatoria de desciframiento, hay presencia y evidencia. Y este efecto experiencial se potencia mucho más, en la medida que ese proceso artístico contemporáneo, sustentado en una acción performática, suceda en un ámbito no determinado para la contemplación o exposición. El presente trabajo toma como referencia de análisis, las diversas performances, que se han desarrollado en el marco de las acciones de demanda y protesta, por los hechos acaecidos en Ayotzinapa estado de Guerrero México, donde en un hecho todavía hoy no esclarecido, desaparecieron 43 estudiantes, bajo sospecha de ser víctimas de terrorismo por parte de las fuerzas del estado mexicano. En él se abordará el papel de la performance pública y colectiva, como activación en la realidad cotidiana, de una evidencia de verdad, a diferencia del modelo ficcional moderno. Esa experiencia de verdad actúa desde el campo simbólico como mediadora de construcción de memoria y acontecimiento, que combate dialécticamente el discurso mediático monopólico, que trató de construir el acontecimiento como un ajuste de cuentas de narcotraficantes. La acción pública colectiva de la performance y su mediación a través de las redes sociales, actuaron como desarticuladoras de la construcción discursiva del medio monopólico televisa, forzando una acción política y judicial, no querida por el Estado.

En el marco de las artes escénicas contemporáneas, de las cuales la danza forma parte, son reconocidos los aportes que ofrece la improvisación como dispositivo para construir escena de modo dialéctico con el contexto. La Tecnología Digital Interactiva aplicada a la danza refuerza y problematiza esta valoración ya que transforma el procesamiento de las capturas realizadas en tiempo real tanto de la imagen como del sonido, volviéndose una extensión de la propia corporeidad. ¿Qué pasa con los registros disponibles para el improvisador cuando las experiencias son mediadas por tecnología digital interactiva? Esta condición requiere de múltiples cambios en los registros del bailarín para que dicho dispositivo de danza sea posible, el corrimiento de los registros modélicos externos hacia los sensoperceptivos autorregulados es quizás el más categórico para que dicha práctica sea posible. Asumir estas instancias como procesos de hibridación, en el decir de García Canclini, o como cuerpos híbridos definidos por Ludmila Pimentel en su abordaje de danza con tecnología, hasta la legitimación del cyborg, como categoría cotidiana para las condiciones humanas que se encuentran mejoradas por la tecnología; son algunos de los corrimientos valorativos que permiten interpelar y redefinir los paradigmas y metodologías concebidas para realizar e implementar danza. Este trabajo aborda el análisis de la construcción de la imagen corporal en las personas: improvisadores/bailarines/performers que asumen el rol de interlocutores de la tecnología digital interactiva en la escena.

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Exploraremos el universo de la síntesis y la composición sonora a partir de la interacción de sistemas modulares y secuenciadores analógicos y digitales. Se usarán sintetizadores modulares, semimodulares y secuenciadores Moog, E-Mu, Nord, ARP, Antonus, Korg, Núcleo etc. (algunos sistemas son de fabricación argentina).

Dulce Elodia es Proyecto musical creado por Mariela Pachinik. Su música es una mezcla de rock alternativo con influencias góticas y tenues toques de pop y electrónica. Se propone para la JAMTEC 2017 una realización audiovisual, con una disposición envolvente dentro de las posibilidades del auditorio. La presentación se concentrará en la música , la experimentación de disposiciones espaciales y también se realizará una proyección de imágenes sobre una pantalla acompañando a la experiencia sonora. Se contemplara según disponibilidad técnica, la posibilidad de realizar la amplificación en cuadrafonía. Se plantea como objetivo la experimentación audiovisual y la mixtura de música popular con el uso de tecnologías y herramientas adquiridas tras la experiencia universitaria en las carreras de Composición con Medios Electroacústicos y Música y Tecnología. Integrantes: Mariela Pachinik Voz y Teclado Estudiante de la Lic. en Composición con Medios Electroacústicos Nahuel Alonso Guitarra Estudiante de la Lic. en Composición con Medios Electroacústicos Juan Ramos Guitarra y voces Lic. en Música y Tecnología Pablo Campanella Batería Maximiliano Pugliese Bajo Luciana Roberto Visuales Diplomada en Música y Tecnología

Nico Bastida es un proyecto musical que tiene como propósito transportar el formato canción hacia horizontes más modernos entremezclando sonoridades y recursos del rock pop clásico con pinceladas de materiales que se encuentran en estrecha relación con el sonido actual. Cuando las condiciones del espacio son propicias el objetivo es generar una experiencia multi sensorial más allá de lo sonoro, a través de proyecciones generadas por computadora y puestas lumínicas estableciendo una relación armónica entre sonido e imagen. INTEGRANTES DE LA BANDA: Nicolás Bastida - Estudiante de Lic. en Música y Tecnología Carlos Cattaneo - Estudiante de Lic. en Música y Tecnología Maira Gardella Joel Satragni VJ’s: Aurora - Arte Interactivo. A cargo de: Juan Ramos - Lic en Música y Tecnología Luciana Roberto - Diplomada en Música y Tecnología

Speak 4.0 FRACTAL es una obra de danza interactiva y un laboratorio abierto cuyo eje creativo y conceptual es el fractal como gernerador universal de procesos complejos a partir de nucleos minimos. Buscamos llegar a un concepto de danza acorde a esta era, donde sonido, visuales y tecnología interactiva se complementen de manera natural con el movimiento, tomando diferentes enfoques y metaforas de la idea de fractal en cada una de las areas expresivas involucradas.” Speak es desde sus inicios una obra que busca situarse en el aquí-ahora e incluso apuntar a un posible futuro en cuanto al concepto de danza, extendiéndola por medio de nuevos abordajes y posibilidades del cuerpo en fusión con la tecnología, y la integracion de manera profunda con diferentes medios artísticos contemporáneos como son la musica electroacústica y la animacion gráfica en tiempo real. Un cuerpo que danza y un cuerpo como interface, que por medio de sensores simples adosados a sus extremidades, alimenta con sus micro y macro gestos diferentes paradigmas audiovisuales. Para esta versión 4 de Speak estamos experimentando con celulares simples, que la bailarina lleva adosados a sus extremidaedes, y que resignificados por medio de la programación de Saez-Costa-Kesler, actúan como sensores avanzados e hiper sensibles al movimiento, que luego se traducen en paradigmas visuales y sonoros integrados, un cruce de sentidos retroalimentados constantemente. El primer celular transmite sus datos al músico a partir de los movimientos de las extremidades inferiores, quien con esos datos genera y procesa la música. El otro celular capta con una cámara los gestos faciales, que a modo de micromovimientos son proyectados y procesados, realizandose así una integración total, un cruce de sentidos. Los teléfonos celulares devenidos en isntrumentos performáticos interactivos, promueven la interacción e integración en tiempo real de los perfomers con todo el sistema escénico y son la continuación lógica de nuestra estética y nuestras investigaciones en el campo del arte tecnológico. Al respecto, creemos que el celular de tipo smartphone (celular inteligente) es quizás el paradigma comunicacional contemporáneo de mayor influencia, y SPEAK se planteó desde sus inicios como una obra que aborda conceptualmente la comunicación contemporánea. El celular contemporáneo, acaparador cada vez de mayor atención para aspectos que van mucho más allá de su objetivo inicial de comunicación inalámbrica. Y en ese contexto, son los artistas los que se apropian de medios tecnológicos icónicos contemporáneos para resignificarlos estéticamente, para crear obra artística junto a ellos, no dejándose obnubilar por ellos sino integrándolos como un medio más dentro de la obra. Bajo mucha experimentación y discusiones hemos avanzado en distintos topicos y hoy llegamos a la version 4 de nuestro proyecto en la cual la motivacion es la logica fractal como motor de procesos vitales: Lo simple se transforma en complejo. Este paradigma universal lo vemos tanto en procesos naturales así como politicos, sociales y culturales: una chispa, una celula, una agitación, son suficientes para desencadenar procesos complejos, muchas veces incontrolables e indescifrables. El tránsito entre lo simple y lo complejo es una actividad que podemos ver en el devenir cotidiano: Descartes refiere que un problema complejo puede descomponerse en pequeños problemas a modo de eslabones, siendo éste uno de sus pilares en su “Discurso del Método”. Estas ideas de simple-complejo las trabajamos integralmente en aspectos de la danza, música y las visuales, y son el eje integrador, práctico y narrativo de nuestra obra. Speak se definirá en esta nueva etapa como un Taller-Laboratorio Artístico / Científico donde aspiramos a que se aúne el cuerpo como generador-núcleo de la performance, a través de la captación y transformación de sus gestos por medios tecnológicos en uso, las búsquedas de nuevos paradigmas estético-artísticos y los conocimientos y prácticas que se dan actualmente en la producción de obras de arte. Speak es parte de la eclosión de una nueva forma de aplicación de las tecnologías actuales en los campos de la danza, la música y el video que está brindando al arte un auténtico sentido interdisciplinario. Exploración de nuevos mecanismos sensibles del movimiento en vinculación con el sensado con su derivación inmediata en los procesos compositivos y de generación-procesamiento de sonido-video que interactuarán con los también nuevos paradigmas audiovisuales generados por Fabricio Costa y Fabián Kesler. Otro de los dispositivos que incorporamos es el nuevo sensor Kinect (XBOX 360) que permite el sensado de varios cuerpos en escena, incluyendo la posición y orientación de brazos y piernas, posibilitando y potenciando los recursos expresivos del cuerpo, planteados en nuestra investigación anterior. A modo de resumen, pretendemos abordar nuevos ejes conceptuales y metafóricos en base a nuevas inquietudes e investigaciones, tanto personales como grupales, haciéndolos extensivos tanto a la comunidad dancística como de las artes escénicas multimediales en general. “ SPEAK es una obra de danza-performance interactiva que reflexiona sobre los medios comunicacionales contemporáneos, los modos comunicativos interpersonales en los que la danza como disciplina aporta desde la configuración de una nueva gestualidad, una gestualidad que interactúa y crea nuevas posibilidades para la composición in situ de movimiento: la estetización de la gestualidad ergonométrica. Llevamos esto a la práctica generando una obra de intercomunicación entre los 3 integrantes. Comunicación que se regenera, se actualiza, comunicación viva y escénica por medios artísticos que incluyen movimiento, música y video. Representamos metafóricamente en SPEAK estos fenómenos contemporáneos comunicacionales muchas veces paradójicos, donde una supuesta mayor comunicación resulta en un aislamiento cada vez mayor. Y es en ese contexto que proponemos conceptos como la TecnoCultura, es decir que la cultura y la tecnología no están separados. En consecuencia consideramos que estos fenómenos han llevado a la masificación y la ya casi exclusividad de las pantallas y los parlantes tanto para la comunicación interpersonal como la social. Observamos como estos elementos nos lllevan a que la telepresencia, las realidades virtuales múltiples y la avatarización sean fenómenos que representan en gran parte el tiempo-espacio en que vivimos. Consideramos que aislar tecnología y cultura es imposible y por eso pretendemos dar relevancia, experimentar y reflexionar con estos procesos poniendo en diálogo las herramientas tecnológicas conjugadas con el cuerpo.